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Perché “Il Diavolo veste Prada 2” è il ritratto di una società esausta
Quando mi siedo al mio posto al cinema, stringendo una scatola mini di pop-corn che sembra maxi, la sala non è particolarmente piena. Del resto, Il Diavolo veste Prada 2 è già uscito da un pò.

Non so bene cosa aspettarmi. Una rom-com? Forse. Non ho letto la trama prima di entrare: sono arrivata trascinata dall’entusiasmo visto sui social.

Se nel primo film il finale riportava Andy a una versione più autentica di sé stessa — con il riconoscimento del suo talento e un lavoro più in linea con le sue ambizioni — qui resta addosso soprattutto una sensazione di stanchezza collettiva. Una fatigue esistenziale e professionale che sembra diventare il simbolo di una società costretta a correre continuamente per restare al passo con il presente, o forse con l’illusione di riuscirci.

È una corsa cieca, in un sistema pronto a lasciarti cadere da un momento all’altro, travolto dalla velocità delle proprie innovazioni: innovazioni che non riesce davvero a governare e rispetto alle quali l’unica strategia possibile sembra essere continuare a correre.

La prima scena è già eloquente: Andy riceve un premio per il suo talento giornalistico; eppure, superati i quarant’anni, vive ancora in un appartamento modesto: il talento non sembra ripagarla dal punto di vista monetario. Nello stesso momento in cui ritira il premio, lei e i suoi colleghi vengono licenziati tramite un messaggio sul telefono. L’ennesima ristrutturazione aziendale.

Sembra paradossale: essere celebrati per il proprio valore e licenziati allo stesso momento.

Andando avanti, il film sembra suggerire che non importa quanto Andy e i suoi colleghi siano bravi, perché la gente non legge più. Contano le immagini, la viralità, la spettacolarizzazione. Conta il contenitore più del contenuto.

La società raccontata dal film sembra vivere in una ipocrisia collettiva: ballare sulle vette del mondo durante l’apocalisse, fingendo che tutto vada bene.

Andy viene riassunta a Runway come editor non tanto per il suo talento, quanto per la viralità di un video sui social. La sua presenza serve soprattutto a pilotare l’opinione pubblica e distrarla da uno scandalo che ha coinvolto Miranda Priestly.

E qui emerge uno dei temi più interessanti del film: Miranda non può più permettersi il suo stile diretto, spietato, autoritario. In una società in cui l’opinione pubblica viaggia alla velocità degli algoritmi e della viralità, attenta ai temi della sostenibilità e della D&I, Miranda deve adeguare il suo stile comunicativo.

Ma questi temi interessano davvero alla società?

Quello che appare evidente è che quasi nessuno è interessato davvero a ciò che Andy scrive. Eppure i pochi lettori rimasti, spesso facoltosi, percepiscono immediatamente il cambio di tono di Runway: un giornalismo più serio, più approfondito, più di qualità.

Miranda, nel frattempo, è ormai in balia dei proprietari della rivista e di un management che non possiede la sua esperienza ma ha comunque il potere decisionale. Un’altra ristrutturazione la travolge senza che possa realmente opporsi.

È qui che il film restituisce con maggiore forza il senso della sopravvivenza contemporanea: restare a galla in un contesto lavorativo ed economico completamente diverso rispetto a vent’anni fa.

La velocità del digitale, l’AI, la nascita continua di nuove figure professionali dai titoli altisonanti ma dall’esperienza limitata investono Miranda e il suo giornale come un’onda impossibile da fermare. E ciò che emerge è il ritratto di una donna intrappolata.

Anche la condizione femminile attraversa tutto il film.

Miranda è imprigionata nella fatica di guidare un’azienda dovendo continuamente dimostrare il proprio valore a uomini che non comprendono davvero il settore in cui lavorano, ma da cui dipende comunque il destino della rivista.

E dopo una vita passata a combattere, Miranda è semplicemente stanca.

C’è Miranda madre, che ha sacrificato il rapporto con le figlie. C’è Miranda professionista, che ha costruito una posizione enorme ma che ora fatica a difenderla. Il film sembra suggerire che, per molte donne arrivate ai vertici, la lotta non finisca mai davvero: autonomia, autorevolezza e credibilità devono essere continuamente riconquistate.

E quando arriva la fatigue, basta abbassare la guardia un istante per rischiare di cadere.

Poi c’è Andy.

Per inseguire il suo sogno ha sacrificato oltre vent’anni della propria vita e ancora non sente di averlo realizzato pienamente. Ha congelato gli ovuli, non ha avuto figli, non ha trovato un equilibrio sentimentale – o forse la pressione della lotta e l’ambizione le sono costati il non poter porre attenzione a quell’aspetto della sua vita. La dualità tra carriera ed essere madre – per quanto oggi ci sia tanta narrativa opposta – è ancora un tema molto attuale e una scelta difficile per molte donne, anche se certo, ogni ambiente e situazione ha le sue caratteristiche ed eccezioni.

Un altro elemento centrale è il conflitto generazionale.

Non solo quello tra Miranda e i giovani consulenti incaricati della ristrutturazione del giornale, ma anche quello tra Andy, Nigel e le nuove assistenti di Runway.

Il film mette continuamente in scena lo scontro tra il “prima” e l’“adesso”: tra chi ha costruito il proprio valore lentamente e chi invece vive in un presente accelerato, iperconnesso e immediato.

SPOILER:

C’è un lieto fine, ma non è un finale in cui tutto si rivolve, come in una fiaba, e si torna ad essere quelli di un tempo. “Quelli di un tempo” è qualcosa che nessuno di noi può tornare ad essere.

L’ultima immagine di Miranda, Andy e Nigel affacciati dalle finestre del grattacielo di New York ha qualcosa di malinconico e potentissimo: sembrano marinai che osservano il mare dalla nave durante una tempesta.

Non sanno dove stanno andando.

La nave continua ad avanzare alla cieca. Per ora sono sopravvissuti, per ora non sono stati travolti dalle onde. Ma domani, chi può dirlo.

In breve:

Gli elementi della “società esausta” raccontata dal film
- Il rapporto tra donna, carriera e maternità.
- La trasformazione continua del lavoro e dell’economia, tra digitalizzazione e AI.
- L’impoverimento culturale: l’immagine che sostituisce il contenuto.
- I conflitti generazionali tra chi ha costruito lentamente la propria carriera e chi vive nella logica della velocità e della viralità.
- La precarietà emotiva e professionale come condizione permanente della contemporaneità.
- La sensazione diffusa di essere sempre in ritardo rispetto alla propria realizzazione personale.
A chi lo consiglio: a chi non ne può più di rom-com, ma non è ancora pronto per Oppenheimer.

A chi non lo consiglio: ai super consulenti di quella super agenzia di consulenza.
10 Maggio 2026

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MUST SEE: MANIAC, la nuova Sci-fi comedy firmata Netflix

L’autunno è alle porte. E questo vuol dire che la stagione dei pop-corn e le serie tv sul divano fino a tarda notte sta per iniziare. Potremmo ribattezzare questo periodo “la stagione Netflix.”

Dopo il successo di Stranger Things, infatti, a detta del TIME Maniac “is the most exciting Drama.” Si tratta di una Sci-fi comedy paradossale, che intreccia tematiche di psicologia, metafisica e science fiction. In breve, narra la storia di Annie Landsberg (Emma Stone) e Owen Milgrim (Jonah Mill) che si ritrovano a testare delle pillole, progettate dalla misteriosa Nebedine Pharmaceutical and Biotech. Le pillole avrebbero la capacità di eliminare dolori derivanti da traumi psicologici. Entrambi i personaggi, infatti, hanno vissuto delle esperienze che li hanno resi “maniac”- maniaci, ovvero soggetti con comportamenti discutibili derivanti da traumi passati: Annie non riesce a superare la morte della sorella, e per questo diventa dipendente da una delle pillole della compagnia farmaceutica che permette di rivivere il giorno del trauma in una sorta di trance; d’altro canto, Owen viene diagnosticato come soggetto schizofrenico, a causa degli ambigui rapporto con la famiglia. Owen vive una sorta di realtà parallela in cui è convinto di dover salvare il mondo da qualche misteriosa e imminente catastrofe, e aspetta un segno del destino per capire quale sia. Per questi motivi, i due protagonisti si ritrovano alla Nebedine Pharmaceutical and Biotech per testare ufficialmente le proprietà delle tre pillole brevettate dalla compagnia: la pillola A, che permette di rivivere il proprio trauma, la pillola B che permette di creare una realtà parallela per superarlo, e la pillola C, che permette di confrontare il trauma in ultima istanza, così da eliminarlo definitivamente – e qualcuno potrebbe anche considerare questi tre step come una sorta di rivisitazione delle fasi dell’elaborazione del lutto di Freud.

Ad ogni modo, la serie nel suo prosieguo prende dei connotati sempre più bizzarri, divertenti e destabilizzanti, portando lo spettatore all’interno di realtà parallele vissute dai protagonisti. Tema fondamentale è senza dubbio l’alienazione. Il setting della vicenda non poteva dunque che essere assegnato a New York, simbolo, da sempre, dell’alienazione e alterità della popolazione, con il suo inarrivabile skyline, che fa sentire chi lo osserva un pesce fuor d’acqua, e con la frenesia che porta la gente a non fermarsi e andare avanti senza curarsi troppo di ciò che sta attorno. Ma c’è di più: i comportamenti bizzarri dei protagonisti sono correlati da personaggi altrettanti strani, come robot che camminano per strada, o un koala meccanico che gioca a scacchi. Un dettaglio interessante è presente in una delle scene iniziali: Annie è in giro per New York, quando si ferma davanti ad una bancarella di roba usata e prende un libro, portandolo nel suo appartamento; in una delle scene successive si legge il titolo dell’opera : si tratta del Don Chisciotte. Probabilmente tutti lo sanno, ma in questo contesto è utile ribadire che il Don Chisciotte narra la storia di un cavaliere che combatte contro i mulini a vento credendo fossero nemici: una chiara storia di alienazione mentale. Il libro dunque diventa simbolo di ciò che i protagonisti stanno vivendo: una lotta mentale contro i propri demoni, in una versione tragicomica, come può essere quella di associarli a dei mulini a vento.

Il contesto della serie dunque risulta ben articolato dal regista, Cary Joji Fukunaga, che sarà inoltre il nuovo James Bond’s director (fonte BBC). Ovviamente tematica fondamentale è anche lo sviluppo estremo della scienza, capace di superare la mente umana e cancellare addirittura il dolore: tutto l’esperimento infatti è gestito da un computer talmente avanzato che possiede addirittura una sorta di anima e delle emozioni: il testing prende infatti una piega negativa e pericolosa per i personaggi quando il computer vive a sua volta il trauma della morte di un medico di cui era innamorata (il computer è dotato di una personalità femminile), e non riuscendo a superare tale dolore diventa anch’essa una maniac. La vicenda si complica poi, quando si scopre che la mente del computer è stata costruita ad immagine e somiglianza della madre dell’ideatore del progetto, il dr. James K. Mantleray, che a sua volta risulta traumatizzato dalla relazione morbosa intercorsa durante la crescita con la donna. In tutto ciò, dunque, si potrebbe leggere una critica alla società e all’eccessiva fiducia nella tecnologia che sta pian piano fagocitando le relazioni umane.

Una brillante interpretazione di Emma Stone e di Jonah Mill, le cui storie si legano nelle dieci puntante della prima serie in un meraviglioso intreccio, che è forse la parte più bella per la visione dello spettatore. Per conoscerlo ovviamente, però, bisogna vederlo con i propri occhi.

Clicca in basso per vedere il trailer di Maniac!

25 settembre 2018

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Must See of the Month: THE POST. Essere leader, essere donna

Si conquista così la prima posizione per incassi nelle sale italiane The Post di Steven Spielberg: a pochi giorni dall’uscita il film incassa 2.313.899 euro in 489 sale, con una media per sala di 4.731 euro. Senza dubbio una componente importante per raggiungere il successo sarà stata la splendida performance dei due main characters – Ben Bradlee (Tom Hanks) ed Katharine Graham (Maryl Streep) –eppure, a volte, nel successo bisogna cercare radici più profonde, motivazioni migliori che giustifico il perché bisogni classificare migliore qualcosa piuttosto che un’altra. Il New Yorker ha definito il film come “un’ode al giornalismo,” il New York Times lo ha definito come “il trionfo della democrazia sull’oscurità.” Perché? Si potrebbero avanzare due ragioni, legate alle tematiche piuttosto attuali che il film rappresenta, pur essendo ambientato negli anni ’70: la libertà di stampa, e il ruolo delle donne nella società.

Evitando i più superflui spoiler (conviene andare a vedere il film!), basterà dire che esso rappresenta un momento difficile nella storia del giornalismo americano, quando il New York Times e il Washington Post dovettero decidere se pubblicare o meno dei documenti che presentavano importanti segreti di Stato circa la guerra in Vietnam (i famosi Pentagon Papers). Entrambe le testate decidono di pubblicarli, andando incontro ad un’udienza che li vedeva fronteggiare nientepopodimeno che il Presidente degli Stati Uniti Nixon. Libertà contro tirannia. Diritto alla verità. Chiamatelo un po’ come volete. La storia ci dice che vinsero.

Nascoste tra preoccupazioni e segreti di stato, ci sono nel film alcune battute che si riferiscono alla posizione di publisher ricoperta da Katharine Graham: in quanto donna, non era previsto. E’ stato un incidente averla dovuta mettere lì. Come fai ad avere un lavoro e a gestire le preoccupazioni di casa, Kat? Le dice un’amica dopo cena, mentre gli uomini si erano rintanati in una stanza a discutere di business e a fumare sigari. Come si fa ad essere leader e donna? Si fa. Come fa un uomo, ostentando polso duro e sicurezza nei momenti difficili. Being confident. Non c’è altro modo, se non questo.

E’ proprio Katharine che deve prendere la decisione finale, pubblicare o no i documenti? Rischiare il tutto per tutto per amore della propria professione, o no? Katharine decide di si, e a ruota libera la seguono tutte le principali testate americane. Una piccola rivoluzione, iniziata in qualche modo da una donna.

Si commette a volte l’errore di pensare che tutto questo sia finito. Che oggi nessuno storce il naso se sei leader e sei donna. Ma non è così. Business e smalto alle unghia in certi campi non viene ancora considerato un dignitoso connubio.

Il New York Times e il New Yorker hanno definito questo film particolarmente attuale, facendo riferimento al governo Trump, alla libertà di stampa e al sottile labile tra verità e menzogna nelle testate giornalistiche.

Più che dare adito all’istinto demagogico, condivisibile o meno, bisognerebbe focalizzarsi forse sull’importanza dei concetti che il film trasmette. A volte concetti come la “libertà” o “il diritto di espressione” perdono valore e cadono nell’ombra senza che ce ne accorgiamo. L’interesse politico e l’attualità è senz’altro un fattore importante su cui riflettere quando ci si trova davanti a produzioni e creazioni artistiche di qualsivoglia genere, ma bisogna anche riflettere sull’importanza macro del messaggio. Riflettiamo ad esempio su cosa voglia dire “libertà” e sul valore che abbia la protezione di questo diritto. Libertà di dire la propria, di conoscere la verità, di occupare una determinata posizione, al di là del proprio genere sessuale. Libertà di non aver paura di essere se stessi. Libertà d’essere e d’esprimersi. Libertà di sognare qualcosa di migliore, senza limiti.

Qual è la chiave di successo di questo film? L’ode alla libertà, a cui ognuno di noi, consapevole o meno, tende l’anima. Per qualsivoglia ragione, nel piccolo e nel quotidiano ognuno ha lottato per preservare i propri sogni, la propria libertà d’azione, d’espressione, di progettare. Ognuno ha lottato almeno una volta nella vita contro dei limiti che gli erano stati imposti. Ognuno di noi è stato almeno una volta nella vita Katharine Graham o Ben Bradlee. Ognuno di noi riesce ad immedesimarsi nei panni di uno che ha lottato per difendere un’idea o un pensiero. Colpevoli di essere complici nella lotta per difendere la libertà. Tutti insieme nell’aula di tribunale, in quel film, e nella vita reale, con i colleghi del Washington Post.

8 febbraio 2018

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